Moto-cross est comme un filet lancé derrière soi. Un regard tourné vers un passé, celui de Maud Le Pladec, ainsi que l’actualité politique et musicale française depuis les années 1980. Dans un premier temps il s’est agi d’une démarche mémorielle, d’un principe d’ « aller à la pêche », de ramasser ce qui surnage, indistinctement, puis de filtrer et de recueillir ce qui fait sens. Dans un deuxième temps, de mettre en perspective ce récit de vie pour qu’il devienne un moyen d’aller vers l’autre. La dimension autobiographique du projet devenant autofictionnelle, le récit de vie glissant vers une légende personnelle.
Cette légende, Maud Le Pladec l’écrit avec l’auteur Vincent Thomasset. Dans une posture gonzoide(1), Vincent Thomasset s’approprie l’histoire de la chorégraphe, en prenant des libertés avec les vérités. Dans un style d’écriture ultra-subjectif, il s’exprime à la première personne avec un point de vue déformant de la réalité. Le contexte d’émergence du récit est fictionné pour apparaître plus réel que le réel lui-même. Cette fiction permettant d’amener le spectateur dans l’antre de sa conscience, dans la mesure où elle retranscrit mieux le vaste sujet qu’est l’existence de l’homme.
Cette démarche rétrospective permet de dégager des périodes clés, des figures historiques, politiques et musicales, emblématiques d’une époque. Celles-ci ne structurent pas seulement le projet comme des repères dans le temps. Dans une logique de frise historique,
elles dialoguent entre elles, à deux ou à trois voix, et des liens inattendus se tissent alors avec les éléments constitutifs d’un parcours personnel. Entre intime et politique, culture et société, le réel se réinvente sous les yeux des spectateurs, au gré des associations et des glissements de mémoire.
Dans Moto-Cross, Maud Le Pladec dialoguera entre autres avec le philosophe Miguel Abensour, elle s’interrogera sur la France des années 80 et le désenchantement d’une jeunesse politique, elle invoquera la psychanalyste Sabina Spielrein, elle mixera des morceaux emblématiques de la French Touch, elle reprendra les paroles décadentes du french boogie et expérimentera les danses urbaines de cette époque, le waacking, le locking(2), etc. Sous la forme d’un projet pop et engagé, une danse-fiction, un film pour
les oreilles.

(1) Le journalisme gonzo (en anglais gonzo journalism) est à la fois une méthode d'enquête et un style d'écriture journalistiques ne prétendant pas à l'objectivité, le journaliste étant un des protagonistes de son reportage et écrivant celui-ci à la première personne. Le terme « gonzo » aurait été employé pour la première fois en 1970 pour qualifier un article de Hunter S. Thompson, qui popularisa ce style par la suite.
(2) Le waacking est une forme afro-américaine de la danse de rue provenant des clubs homosexuels des États-Unis. Apparue dans les années 1970 à Los Angeles, s'inspirant de la musique funk et disco, c'est une danse qui se veut être une imitation de la danse sensuelle et féminine réalisée par des hommes. Le Lockin' est un type de danse funk inventé au début des années 1970 et rattaché à la culture hip-hop.

Après avoir suivi la formation exerce au Centre chorégraphique national de Montpellier, Maud Le Pladec est interprète pour plusieurs chorégraphes comme Georges Appaix, Loïc Touzé, Mathilde Monnier, Mette Ingvartsen ou encore Boris Charmatz. En 2010, elle crée sa première pièce Professor (prix de la Révélation Chorégraphique du Syndicat de la Critique), premier volet d’un diptyque autour de la musique de Fausto Romitelli puis en 2011, elle créé le second volet : Poetry.
En 2013, Maud Le Pladec est lauréate du programme Hors les Murs de l’Institut français et effectue une recherche à New York sur le courant de la musique post-minimaliste américaine qui donnera naissance à Democracy avec l’Ensemble TaCtuS et Concrete avec l’Ensemble Ictus. En 2015, elle initie un nouveau cycle de créations autour de la parole donnée aux femmes en co-créant Hunted avec la performeuse new-yorkaise Okwui Okpokwasili. En 2016, elle travaille à l’Opéra national de Paris sur Eliogabalo avec le metteur en scène Thomas Jolly et sous la direction musicale de Leonardo Garcia Alarcon. Parallèlement, Maud Le Pladec est artiste associée à La Briqueterie – CDCN du Val de Marne.
Depuis janvier 2017, elle succède à Josef Nadj et dirige le Centre chorégraphique national d’Orléans. Elle a créé depuis Borderline avec le metteur en scène Guy Cassiers, le solo Moto-Cross, Je n'ai jamais eu envie de disparaître avec l’auteur Pierre Ducrozet et Twenty-seven perspectives pour le Festival Montpellier Danse 2018. En décembre 2020, elle a présenté à huis clos une nouvelle création avec le CCN — Ballet de Lorraine : Static Shot et prépare Counting stars with you, nouvelle création pour 2021.
Source : Site du CCN d'Orléans
En savoir plus : https://www.ccn-orleans.com

Julie Pareau est réalisatrice et vidéaste. Issue des Beaux-Arts, sa pratique est tournée vers les arts de la scène.

Étudiante, elle expérimente la vidéo dans le milieu de la musique électronique, en collaborant avec des musiciens, sur des live et des installations video. Et depuis 2008, Julie Pareau crée pour le théâtre et la danse. Elle a notamment collaboré avec David Bobée, sur le spectacle This is the end, en 2011, et sur les tournées de Fées (2009), Roméo et Juliette (2012/2013), Lucrèce Borgia (2015), avec Myriam Marzouki sur les spectacles Le début de quelque chose (Festival d'Avignon 2013), et Ce qui nous regarde en 2016. Elle collabore avec Marine Bachelot Nguyen depuis 2008 : Artemisia Vulgaris (2008),  Les ombres et les lèvres (2016), et Circulations Capitales (2019).

En 2013, elle réalise le clip On top of the world pour l'artiste électro-pop berlinoise Ninca Leece, ainsi qu'un live set vidéo, pour une tournée en Europe (Hollande, Allemagne, Italie, Belgique). En 2019, elle réalise le clip du groupe de cold-wave rennais Tchewsky & Wood, I have you. La même année, elle accompagne en régie vidéo, Albin de la Simone et Valérie Mréjen sur leur spectacle Le Carnaval des animaux, créé au Théâtre National de Bretagne, spectacle dont elle réalise également la captation et le teaser.

Elle collabore depuis 2009 avec Maud le Pladec, chorégraphe et directrice du Centre chorégraphique d'Orléans, pour qui elle réalise les captations de ses spectacles, ainsi que les teasers : Professor (2009), Kammerspiel (2010), Poetry (2011), Democracy (2014), Hunted (2015), Concrete (2015), Twenty-seven perspectives (2018), Counting stars with you (2021).

Elle vit et travaille entre Rennes et Paris.

En savoir plus : juliepareau.fr

Dirigé depuis janvier 2017 par Maud Le Pladec, le Centre chorégraphique national d’Orléans pose la question des publics comme son enjeu central. La création dans toutes ses formes, de manière transversale, parcourt le projet dans toutes ses dimensions auprès de tous les publics. Le CCNO propose de partager, d’explorer avec les gens l’autour, l’avant et l’après. Ateliers lundi after work, samedi brunch, stages, festival, performances, ouvertures publiques, conférences, créations participatives, résonnent avec le travail de la création des artistes en résidence au CCNO ou programmés au Théâtre d’Orléans.

Le CCNO ouvre ses portes le plus largement possible, arpente la ville et les territoires, les espaces publics, les écoles, les associations et initie de nombreux projets en partenariat, « avec » dans un mouvement d’« aller vers ».

Multiplier les pratiques, les regards, donner l’impulse dans un va-et-vient permanent entre le voir et le faire, pour le spectateur comme pour l’amateur de toutes les danses. Tout est question d’accessibilité, ou comment rendre possible la rencontre, tisser du lien. Faire danser la ville pour la visibilité de chaque corps dans l’espace de la cité.

Inscrit au sein du Théâtre d’Orléans auprès de la Scène nationale, du Centre dramatique national et le CADO, le CCNO contribue à la dynamique collective de ce quartier de la création favorisant le développement de projets créatifs et innovants au service des publics. 

Teaser : vimeo.com/205356462